La Arquitectura de Adolf Loos

ADOLF LOOS

Adolf Loos (1870-1933), arquitecto y teórico austriaco de origen checo, uno de los pioneros del movimiento moderno en la arquitectura.

Nació en Brno (República Checa). En 1887 inició sus estudios clásicos, que abandonó poco después tras los pésimos resultados, y en 1890 ingresó en la Escuela Técnica de Dresde. Tras el servicio militar, viajó a Estados Unidos, con la intención de visitar a sus tíos, y allí permaneció hasta 1896, antes de establecerse en Viena. Durante su estancia en América recibió la influencia racionalista de la Escuela de Chicago; conoció los escritos de Louis Sullivan, como El ornamento en la arquitectura (1892); visitó la Exposición Universal de esa misma ciudad, además de las de San Luis, Nueva York y Filadelfia, y trabajó como diseñador y albañil durante dos años. A su regreso a Viena, contactó con el círculo literario de Peter Altenberg y Karl Kraus. Comenzó entonces a escribir artículos para el diario liberal Neue Freie Presse (entre los que destacan “La ciudad de Potemkin” y “Nuestros jóvenes arquitectos”), mostrando ya su oposición a la superficialidad del estilo Art Nouveau, de moda en su época, al que critica duramente sobre todo a partir de la publicación de su propia revista, Das Andare (Lo otro), de la que solo conseguirá publicar dos números.

En 1903 se habían fundado los Wiener Werkstätte (Talleres de Viena), que formaban una asociación cuyos componentes (Josef Hoffmann y los escindidos de la Secesión) pretendían reformar la artesanía y las artes aplicadas vienesas. En 1908, con motivo de la I Exposición de Arte celebrada en Viena, donde participó el grupo de Hoffmann, Loos pronunció su conferencia “Ornamento y delito”: el ornamento queda asociado al estilo histórico, de tal manera que el nuevo estilo vigente no debía usar ornamentos de tiempos pasados; además, explica cómo el hombre moderno es incapaz de crear un nuevo ornamento, así como las ventajas de la supresión del ornamento en cuanto a reducción de costes. De este modo se anticipó al object-type del que Le Corbusier hablaría posteriormente.

Estas críticas quedaron también plasmadas en la casa Steiner (Viena, 1910), un edificio cúbico liso, despojado de todo adorno, que fue una de las primeras viviendas construidas en hormigón armado. Se trata de uno de los primeros ejemplos donde Loos aplicó su Raumplan, un sistema de organización del espacio interior de una vivienda dispuesto en varios niveles. Este sistema culminó en algunas de las casas realizadas al final de su vida, como la casa Moller (Viena, 1927-1928) o la casa Müller (Praga, 1928-1930). Ya desde la casa Steiner, Loos había adquirido un lenguaje abstracto, plagado de prismas blancos y sin adornos, que se anticiparon al movimiento moderno. El Raumplan fue también aplicado al problema del alojamiento colectivo: en este sentido, Loos realizó una serie de estudios que culminaron con el proyecto del conjunto Heuberg (1920) y su participación en la exposición Wiessenhof, dirigida por Ludwig Mies van der Rohe, a las afueras de Stuttgart en 1927, para la que construyó dos casas bifamiliares según los principios expuestos en otro de sus artículos, “La colonia moderna”.

Las ideas radicales de Loos tuvieron una importante influencia entre los arquitectos vanguardistas de la siguiente generación, sobre todo en Austria y Alemania, pero también en Francia, como es el caso del poeta protodadaísta Paul Dermée y los pintores puristas Amédée Ozenfant y Charles Édouard Jeanneret (Le Corbusier), a los que llegó ese impulso por sintetizar los objetos del mundo moderno. Su influencia fue decisiva también en el desarrollo de la planta libre, y las numerosas maquetas que se conservan de las casas proyectadas en los últimos años de su vida conforman el modelo de las villas puristas de Le Corbusier. 

DISCURSO Y FILOSOFÍA

 

Fue el pionero del movimiento moderno que preconizaba la desornamentación y la ruptura con el historicismo, siendo considerado uno de los precursores del racionalismo arquitectónico. A raíz de sus postulados, polemizó con los modernistas, que formaban la denominada Secesión de Viena y que sostenían un punto de vista antagónico de la arquitectura. Estuvo en contacto con las vanguardias artísticas europeas de la época, como Schönberg, Kokoschka y Tristan Tzara. También gustó de escribir artículos de opinión (era muy duro con sus críticas): Ornamento y delito (1908) y Arquitectura (1910).

Su arquitectura es funcional, y tiene en cuenta las calidades de los nuevos materiales (como deja patente en su "Teoría del revestimiento"). Para Loos, la arquitectura es distinta de las artes aplicadas, es la madre de todas ellas; el resto de las tipologías arquitectónicas deben ser funcionales, y prescindir de ornamentación. Él mismo financió una revista: Das Andere (“lo Otro”), en la que expuso sus ideas.

Introdujo un nuevo concepto en sus obras, el "Raumplan". El concepto del Raumplan consiste en que Loos adjudicaba a cada una de las habitaciones, a cada uno de los espacios, una importancia distinta. Afirmaba que un dormitorio, por ejemplo, no tiene la misma importancia que una sala de estar, que es un espacio de representación. De la importancia de las habitaciones dependía su tamaño o la altura del techo. Loos situó los cuartos a lo largo de un eje imaginario en la casa como si rodaran en una espiral. Cada habitación correspondía a los fines a los que debía servir. Así, la sala de estar, donde tienen lugar las actividades sociales, es un inmenso y precioso espacio. Al contrario, el dormitorio de los niños pertenece a la parte privada de la casa, y por lo tanto no necesita unos techos de tres metros.

OBRAS

Sastrería Goldman&SalatschViena, Austria

 

Las casas Steiner y en Michaerlerplatz, Viena, Austria

La Villa Müller
Praga, República Checa

Bibliografía

• "Adolf Loos." Microsoft® Encarta® 2009 [DVD]. Microsoft Corporation, 2008.

•  Loos, Claire Beck (2011). Adolf Loos – A Private Portrait. Los Angeles, CA: DoppelHouse Press.

•  Bock, Ralf (2007). Adolf Loos. Geneve: Skira. ISBN 88-7624-643-6.

• Sarnitz, August. Loos. Taschen. ISBN 3-8228-2770-3.
  

La Escultura de Augusto Rodín

AUGUSTO RODÍN

Auguste Rodin (1840-1917), escultor francés que dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica expresada a través del modelado y la textura. Se le considera uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX.

Fue alumno de Jean-Baptiste Carpeaux en la Escuela de Artes Decorativas y de Antoine-Louis Barye en el Museo de Historia Natural, dos escultores a los que admiró y en quienes se inspiró en cierta medida. Por sus modestos orígenes, se vio obligado a ganarse la vida como ayudante de decoración, compaginando el trabajo profesional con su dedicación a la escultura. 

DISCURSO

Para Rodin el artista no debía ser un esclavo del modelo, al contrario: era el artista el que escogía, con su propio ojo y sensibilidad, el objeto a representar y por medio de su imaginación era capaz de modificarlo para crear una imagen nueva a los ojos del mundo.
Anatómicamente falta una lógica entre las proporciones, pues éstas son utilizadas para resaltar el sentimiento. El proceso por el cual están hechas sus esculturas es el vaciado, y aunque en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, en su época Rodin elaboraba estas piezas en yeso: vaciaba el yeso, material usado como borrador y desechado por los escultores, como una manera de criticar al circuito del arte y a la escultura en mármol (blanco igual que el yeso, pero infinitamente más costoso), reconocida como la única oficial. Su mensaje era claro: la imagen es superior al material con el que está construido.

 La contemporaneidad de Rodin no sólo radica en el gran cuestionamiento acerca de la validez de la formación académica en las Bellas artes, sino además en aspectos puramente plásticos, como son el uso de la serie (utilizar varias veces la misma imagen en diferentes contextos, formatos y tamaños), el collage (unión y separación de distintas piezas para generar imágenes nuevas), la importancia del soporte (que hasta la época era un pedestal altísimo que separaba al público de la obra, eliminado por Rodin por considerarlo demasiado elitista), y el uso de la anatomía como una herramienta para la manifestación de la espiritualidad humana.

ESCULTURAS

Las Tres Sombras

Monumento a Balzac

El pensador

La Eterna primavera

Rodín

los Burgueses de Calais

Dato Curioso:

Existe la teoría de que la esculrtura de El pensador, en realidado no es un pensador, sino que simboliza a Dante, personaje principal de la divina Comedia, después de haber salido del Infierno hacia la superficie terrestre, su mirada apuntando hacia el suelo se debe a que esta observando con asombro los 7 circulos a desnivel que conformaban el infierno, y los mira con asombro porque no podía creer que hubiera salido de toda esa escala infernal.

REFERENCIAS

• "Auguste Rodin." Microsoft® Encarta® 2009 [DVD]. Microsoft Corporation, 2008. 

 

• http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rodin.html

 

• es.wikipedia.org/wiki/Auguste_Rodin 

 

• Museo Soumaya, SEIS SIGLOS DE ARTE "Cien grandes maestros". 

 

•  Julia María Carvajal, Adamar Revista de Creación. «Rodin invita a pensar»
  

 

3 Pintores de la era Impresionista

Hola que tal, el dia de hoy les hablaré brevemente acerca de 3 pintores que marcaron la corriente del Impresionismo, una vanguardia que se dió durante finales del Siglo XIX y principios del Siglo XX. estos tres pintores serán Vincent Van Gogh, Odilon Redon y Paul Gauguín.

VINCENT VAN GOGH

(Holanda, 1853 - Francia, 1890) Pintor holandés. En las décadas finales del siglo XIX, el impresionismo marcó el inicio de una profunda renovación de las artes plásticas que tendría continuidad en la sucesión de ismos o corrientes del arte contemporáneo. Algunos de los mejores maestros de este periodo, sin embargo, no pueden encasillarse en ninguna escuela, y abrieron por sí solos nuevos caminos; entre ellos, el holandés Van Gogh ocupa una posición única.Van Gogh inició en la corriente Impresionista para más tarde entrar al Post-Impresionismo y después al Expresionismo. 
 

La Noche Estrellada, "De sterrennacht" (Oleo sobre tela)
Vincent Van Gogh, 1889.

El dormitorio en Arlés "De slaapkamer" (Oleo sobre tela)
Vincent Van Gogh, 1889.

Puesta del sol en Montmajour
"Zonsondergang bij Montmajour"(Oleo sobre tela)
Vincent Van Gogh, 1889.

 ODILON REDON

(Burdeos, 1840 - París, 1916) Pintor, grabador y dibujante francés. Vivió en su ciudad natal hasta 1870, año en que se trasladó a París, donde en 1884 se convirtió en un personaje público a raíz de la aparición de una novela escrita por Joris-Karl Huysmans titulada "À rebours", (A Contrapelo), en la que el protagonista coleccionaba dibujos suyos. Redon Es considerado un pintor postimpresionista, dentro de la corriente del simbolismo, aunque también se le considera como uno de los precursores del surrealismo.

El Ciclope, "Zyklop" (Oleo sobre tela)
Odilon Redon, 1914.

Flores en Maceta, "Flowers in Vase"
(Oleo sobre tela) Odilon Redon, 1905.

Ofelia entre las flores, "Ofelia among the flowers"
(Oleo sobre tela). Odilon Redon, 1908.

PAUL GAUGUÍN

Paul Gauguin (1848-1903), pintor postimpresionista francés, cuyos colores exuberantes, formas bidimensionales planas y temática contribuyeron a dar forma al arte moderno.

Nació en París el 7 de junio de 1848 en el seno de una familia liberal de clase media; su madre era hija de la célebre socialista y feminista Flora Tristán. Después de una juventud aventurera, que incluye una estancia de cuatro años en Perú con su familia y un empleo en la marina mercante francesa, se convirtió en un prestigioso agente de bolsa de París, llevando una confortable vida burguesa con su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos.

El Baile de las cuatro bretonas "Danse des les quatre bretones"
(Oleo Sobre tela) Paul Gauguin, 1888

Jinetes en la Playa "Cavaliers sur la plage" (Oleo sobre tela)
Paul Gauguin, 1902

Cerca del Mar, "Fatate te Miti" (Oleo sobre tela)
Paul Gauguin, 1902

Así pues estos 3 grandes iconos del impresionismo han marcado un hito en la historia de las vanguardias en el mundo de las artes plasticas.



RERENCIAS

• Buendía, J. Rogelio y Gállego, Julián. Arte europeo y norteamericano del siglo XIX. En "Summa Artis". Tomo XXXIV. Madrid: Espasa-Calpe, 1995. Obra de referencia indispensable que analiza los movimientos artísticos que dominaron el siglo XIX. Dedica un capítulo especial al postimpresionismo y a sus protagonistas. 

• http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gogh.htm

• http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/redon.htm

• http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Odilon_Redon

• "Odilon Redon." Microsoft® Encarta® 2009 [DVD]. Microsoft Corporation, 2008. 

 

• Gorham, Charles. El oro de sus cuerpos. La alucinante vida de Paul Gauguin y su amistad con Vincent van Gogh. Argentina: LC Ediciones, 2ª ed., 1988. Ameno libro de bolsillo que describe la relación entre Paul Gauguin y Vincent van Gogh.

 

• http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gauguin.htm

 

 

El mundo del Impresionismo

IMPRESIONISMO (ARTE)

 El Impresionismo es un movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo. 

Impresión Amanecer, "Impression, soleil levant"
(Oleo sobre Tela), Claude Monet, 1872.

Aunque los hallazgos del impresionismo francés resultaron decisivos para la pintura del siglo XX, los intentos por plasmar los efectos de la luz natural no eran nuevos. En el siglo XVII Jan Vermeer había utilizado fuertes contrastes de luces y sombras para bañar sus lienzos de luz natural. Diego Velázquez en el mismo siglo y Francisco de Goya a finales del siglo XVIII captaron la impresión lumínica mediante la eliminación de sombras secundarias y la introducción de zonas de luz en detrimento de la nitidez de los contornos. Su pincelada también preludió la de los impresionistas franceses.

El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos y con las encorsetadas fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. La Academia fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón parisino. Los impresionistas, en cambio, escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.

Vista de Pontoise,"Vue d´ Pontoise"
(Oleo sobre Tela), Camille Pissarro, 1879.

Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra. Los pintores académicos definían las formas mediante una gradación tonal, utilizando el negro y el marrón para las sombras. Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (cyan, magenta y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, que mezcladas por la retina del observador desde una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el contraste de un color primario (como el magenta) con su complementario (verde). De este modo, los impresionistas lograron una mayor brillantez en sus pinturas que la que se produce normalmente al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos.

Los precursores inmediatos del impresionismo fueron los ingleses John Constable y J.M.W. Turner. Cuando Monet y Pissarro vieron por primera vez sus obras en 1871 se sintieron conmovidos por la atmósfera y los efectos difusos de luz característicos de la pintura de Turner. Los pintores de la Escuela de Barbizon fueron también antecedentes del movimiento impresionista francés. Treinta años antes de la primera exposición impresionista, Camille Corot, miembro circunstancial de la Escuela de Barbizon calificado en ocasiones como padre del impresionismo, interpretaba los fugaces cambios lumínicos en una serie de temas pintados a diferentes horas del día. Eugène Louis Boudin, un pintor preimpresionista, que fue maestro de Monet, enseñó a sus discípulos a expresar un sentimiento de espontaneidad en sus obras, mientras que el realista Gustave Courbet alentó a los impresionistas a buscar su inspiración en la vida cotidiana.

Caida del Sol en Venecia,
(Oleo sobre Tela), Claude Monet, 1902.

Édouard Manet considerado el primer impresionista (aunque rechazaba este calificativo) mostró cómo se podían obtener sutiles representaciones de luz por la yuxtaposición de colores fuertes y contrastados. Su cuadro La merienda campestre (1863, Museo de Orsay, París), expuesto en el Salón de los Rechazados (Salon des Refusés) organizado en oposición a las exposiciones oficiales en el Salón de la Academia, señaló el comienzo de una nueva era en el arte. Los pintores impresionistas organizaron su primera exposición independiente en 1874. 

Los treinta participantes compartían su rechazo al academicismo imperante y su admiración por las atrevidas composiciones de Manet. 

El término impresionista fue usado por primera vez por el crítico Leroy en la revista Charivari para denominar irónicamente un cuadro de Claude Monet titulado Impresión, amanecer (1872, Museo Marmottan, París). El término fue adoptado oficialmente durante la tercera exposición impresionista en 1877. Los impresionistas fueron apoyados por notables miembros de la sociedad francesa, como los literatos Émile Zola y Charles Baudelaire, el pintor-coleccionista Gustave Caillebotte, y el marchante de arte Paul Durand-Ruel. Sin embargo la prensa y el público, acostumbrados al convencional estilo académico, se mostraron hostiles hacia el nuevo arte.

Los impresionistas evolucionaron hacia distintos estilos individuales y compartieron como grupo sus experimentos sobre el color. Sólo Monet fue ortodoxo en la aplicación de la teoría impresionista. Pintó varias series (la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, los álamos) en diferentes horas del día y estaciones del año. Pissarro utilizó una paleta más delicada y también se concentró en los efectos de luz sobre las formas. Sisley, aunque muy influido por Monet, conservó una sutileza propia. Degas, que no fue un impresionista ortodoxo, captó la fugacidad del movimiento en las escenas de ballet y de caballos, a menudo representadas con la técnica del pastel. Los sutiles paisajes de Morisot se destacan por la intensa pincelada más que por la precisión lumínica.

El impresionismo francés influyó en artistas de todo el mundo. Los más significativos fueron el estadounidense James Abbott McNeill Whistler, cuyos nocturnos (1877) plasman efectos de incendios o luces brillando a través de la niebla, Childe Hassam, Winslow Homer y el inglés Walter Sickert, el italiano Giovanni Segantini y el español Joaquín Sorolla.

El impresionismo ejerció una fuerte influencia durante décadas. Artistas que partieron del impresionismo idearon otras técnicas e iniciaron nuevos movimientos artísticos. Los pintores franceses Georges Seurat y Paul Signac ejecutaron lienzos a base de pequeños puntos de color, aplicando una derivación científica de la teoría impresionista conocida como puntillismo o divisionismo. Los postimpresionistas Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin y Vincent van Gogh estuvieron muy influidos por la vivacidad del colorido impresionista. La obra de Cézanne anticipó el cubismo, mientras que la de Gauguin y Van Gogh representaron el comienzo del expresionismo.

BIBLIOGRAFÍA

• Daval, Jean-Luc. Del impresionismo al cubismo. En "La Pintura Moderna". Volumen 1. Barcelona: Carroggio, 1982. Obra de síntesis divulgativa, con abundantes ilustraciones.

• Denvir, Bernard. Crónica del impresionismo. Diario íntimo de la vida y el mundo de los grandes artistas. Barcelona: Ediciones Destino, 1993. Crónica anual de los principales acontecimientos que rodearon al movimiento desde 1863, y su repercusión posterior a lo largo del siglo XX. Fuente imprescindible, ampliamente ilustrada y documentada.

• Gaunt, William. Los impresionistas. Barcelona: Editorial Labor, 3ª ed., 1980. Visión global del estilo, incluyendo su valoración moderna. Destaca el apéndice con biografías, bibliografía y el material gráfico a todo color.

• Herbert, Robert L. El impresionismo. Arte, ocio y sociedad. Madrid: Alianza Editorial, 1989. Brillante estudio basado en un riguroso análisis del periodo histórico en que se desarrolla el movimiento, acompañado de ilustraciones y bibliografía.

• Lassaigne, Jacques. El impresionismo. En "Historia General de la Pintura". Volumen 16. Madrid: Aguilar, 1968. Obra que aporta una visión de síntesis del movimiento, importante como fuente gráfica y documental por los apéndices que incluye, además de contar con abundantes ilustraciones.

• Pool, Phoebe. El impresionismo. Barcelona: Ediciones Destino, 1991. Estudio riguroso de la evolución del movimiento, con abundantes láminas y bibliografía seleccionada.

• Rewald, John. Historia del impresionismo. Barcelona: Editorial Seix Barral, 1994. Obra que constituye un clásico como aportación teórica al estudio del grupo. Incorpora un importante apéndice, bibliografía y material gráfico.

• Waldman, Emil. Arte del realismo e impresionismo en el siglo XIX. En "Historia del Arte Labor". Volumen XV. Barcelona: Editorial Labor, 1944. Obra divulgativa con abundantes ilustraciones en color.

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Concepto de Diseño

La palabra diseño es un término de uso extendido en nuestro idioma y que empleamos para referir diversas cuestiones.
Uno de los empleos más habituales de la palabra permite designar a aquella actividad que combina creatividad y técnica y que tiene por misión la creación de objetos que dispongan de utilidad y esteticidad.

Los objetos que se relacionan con disño son:

Traza, delineción de un edificio o de una figura.
Descripción de un objeto o cosa, hecho con las palabras.
Disposición de manchas, colores o dibujos que caracterizan exteriormente a diversos animales y plantas.
Proyecto y plan, diseño urbanístico.
Concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie, dentro del mundo de la moda, industrial.
La Forma de cada uno de estos objetos.

Según la Definición de la Real Academia Española, el Diseño es:

DISEÑO

1. Traza o delineación de un edificio o de una figura. || 2. Proyecto, plan. Diseño urbanístico. || 3. Concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie. Diseño gráfico, de modas, industrial. || 4. Forma de cada uno de estos objetos. El diseño de esta silla es de inspiración modernista. || 5. Descripción o bosquejo verbal de algo. || 6. Disposición de manchas, colores o dibujos que caracterizan exteriormente a diversos animales y plantas.

Otras definiciones nos dicen que el Diseño se define como el proceso previo de configuración mental, "pre-figuración", en la búsqueda de una solución en cualquier campo. Utilizado habitualmente en el contexto de la industria, ingeniería, arquitectura, comunicación y otras disciplinas creativas.

por otro lado John Heskett, sostiene que el diseño es una de las características básicas de lo humano y un determinante esencial de la calidad de vida.

Cómo podemos ver definir el concepto de diseño es una tarea complicada, ya que existen tantos conceptos como diseñadores, definir la palabra Diseño, sería como definir la palabra Amor. Sin embargo siempre tenderemos presente un concpeto abstracto que resuma en nuestras mentes todo lo que implica, El Diseño.

Blog de Cultura y Diseño 2

Este será el blog de Cultura y Diseño para la Clase del Prof. Jorge Morales Moreno de la UAM- Azcapotzalco..

www.nextiyotl2.blogspot.mx

Nexiyotl en lengua nahuatl significa: Diseño