LA BAUHAUS

 

La Bauhaus

Bauhaus, escuela alemana de arquitectura y diseño que ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, las artes gráficas e industriales y el diseño de escenografías y vestuario teatrales. Fue fundada en Weimar en 1919 por el arquitecto Walter Gropius que pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. La Bauhaus, basada en los principios del escritor y artesano inglés del siglo XIX William Morris y en el movimiento Arts & Crafts, sostenía que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria. También defendía principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e influencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial.

El estilo de la Bauhaus se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración.

En 1925 se dedicó a la construcción de una serie de sobrios edificios rectangulares de hormigón y cristal en Dessau, especialmente diseñados para ello por Gropius. El estilo de este movimiento se tornó aún más funcional e hizo mayor hincapié en la expresión de la belleza y conveniencia de los materiales básicos sin ningún tipo de adorno. Otros arquitectos y artistas sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-Nagy (que fundó el Instituto de Diseño de Chicago siguiendo los mismo principios de la Bauhaus), el pintor estadounidense Lyonel Feininger y el pintor alemán Oskar Schlemmer.

En 1930 la dirección fue asumida por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe, que trasladó la Bauhaus a Berlín en 1932. Cuando los nazis en 1933 cerraron la escuela, sus ideas y sus obras eran ya conocidas en todo el mundo. Muchos de sus miembros emigraron a Estados Unidos, donde las enseñanzas de la Bauhaus llegaron a dominar el arte y la arquitectura durante décadas, contribuyendo enormemente al desarrollo del estilo arquitectónico conocido como International Style.

 Bibliografía

• Argan, Giulio Carlo. Walter Gropius y la Bauhaus. México: Editorial Gustavo Gili, 1983. Estudio crítico de nivel universitario, fundamental para comprender el complicado fenómeno de la Bauhaus.

• Bayley, Stephen. Guía Conran del diseño. Madrid: Alianza Editorial, 1992. Enciclopedia fundamental sobre diseño; interesante introducción histórica.

• Benevolo, Leonardo. Historia de la arquitectura moderna. Barcelona: Editorial Gustavo Gili, 7ª ed., 1996. Clásico fundamental de nivel universitario, claro y exhaustivo.

• Microsoft ® Encarta ® 2009. © 1993-2008 Microsoft Corporation. Reservados todos los derechos.

EL CUBISMO

Las Señoritas de Avignon
Pablo Picasso

El Cubismo fué un movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar la representación realista seguida desde el renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial en la historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Fue una revolución contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura tradicional, contra la importancia que se daba al efecto de la luz y el color y contra la ausencia de formas, características del impresionismo. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus de África y Oceanía.

Los cubistas seguían la sentencia del postimpresionista francés Paul Cézanne, que afirmaba que “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro” y está influido por el afán constructivo y geometrizante de George Seurat. 

La expresión más frecuente dentro del cubismo presenta un enfoque analítico y abstracto del tema; el artista determina y pinta las formas geométricas básicas que componen el objeto, sobre todo el cubo o el cono, o los planos básicos que revelan las formas geométricas subyacentes. Otra fase de la pintura cubista (el cubismo sintético) presenta un objeto desde diferentes ángulos, imposibles de ver simultáneamente en realidad, unificados en una estructura compositiva. 

En ninguno de los dos cubismos, analítico o sintético, se pretende reproducir en detalle el aspecto real de los objetos. Entre los retratos y naturalezas muertas cubistas destacan los instrumentos y los arlequines ya que eran fáciles de diseccionar de forma geométrica. 

Guitarra y Mandolina
Juan Gris

Para evitar todo efecto naturalista y emocional, el cubismo utilizó durante su primer periodo, o periodo analítico, una paleta muy restringida de grises, marrones, verdes y amarillos, o recurrió a obras pintadas en diferentes tonalidades de un mismo color. Después de 1914, durante el periodo sintético, muchos cubistas introdujeron colores más brillantes en sus obras.

Además de Pablo Picasso y Georges Braque, otros pintores cubistas importantes fueron: Albert Gleizes, Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Roger de La Fresnaye y Juan Gris. Entre los escultores cubistas más importantes, que aplicaron a la escultura los mismos principios artísticos que los pintores, se cuentan Pablo Picasso, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz y Alexander Archipenko. Y entre los incontables artistas influidos por las ideas y técnicas cubistas se encuentran Maurice de Vlaminck, Stuart Davis y Lyonel Feininger.

• Daix, Pierre. Diario del cubismo. Barcelona: Ediciones Destino, 1991. Estudio analítico y riguroso sobre el movimiento, acompañado de un importante material gráfico.

• Golding, John. El cubismo. Una historia y un análisis 1907-1914. Madrid: Alianza Editorial, 1993. Una de las aportaciones teóricas y críticas más importantes, que parte de un estudio científico y ampliamente documentado sobre el movimiento.  

• Kahnweiler, Daniel-Henry. El camino hacia el cubismo. Barcelona: Quaderns Crema, 1997. Testimonio excepcional del marchante y promotor del cubismo, de un alto valor documental.

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EL FAUVISMO

Retrato de Delekorskaya
Henry Matisse

El Fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración (entre 1904 y 1908, aproximadamente) que revolucionó el concepto del color en el arte contemporáneo. Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en favor de los colores violentos, introducidos por los postimpresionistas Paul Gauguin y Vincent van Gogh, para crear un mayor énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de trazo muy marcado, desprovisto de dramatismo lumínico.

El término fauves, literalmente ‘fieras’, fue una etiqueta peyorativa aplicada, probablemente por el crítico Vauxcelles, con motivo de la primera exposición, celebrada en la sala VII del Salón de Otoño de 1905, donde se mostraba un torso italianizante entre estas pinturas de colores casi puros; ante esta visión, parece ser que el crítico exclamó: “Donatello entre las fieras”. Sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braque, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy, Emile Othon Friesz y Henri Matisse, su principal exponente. El término fauves nunca fue aceptado por los propios pintores y, de hecho, no describe de ningún modo su intención subjetiva ni el lirismo de sus imágenes.

El fauvismo, a diferencia de otros ismos, no reclamaba un programa estético ni lanzó ningún manifiesto. Pretendían revisar cuestiones abiertas aún no resueltas por los impresionistas, como la imposibilidad de imitar los efectos de la luz solar y su representación a través del color. De este modo su intención fue la de explorar el color como un medio expresivo independiente de la recreación de la luz. 

Técnicamente, el uso fauvista del color derivó de los experimentos realizados por Matisse en Saint-Tropez durante el verano de 1904, donde contactó con los pintores que aplicaban pequeñas manchas de color puro para conseguir una imagen óptica más científica que la de los impresionistas. Los cuadros neoimpresionistas de Matisse, mientras siguió estrictamente estas reglas, ya mostraban un pronunciado interés por el lirismo del color.

En general, se suele hablar de dos etapas del movimiento fauvista: la primera, entre 1905 y 1906, denominada fauvismo de la técnica mixta, que se caracterizaba por la síntesis entre el divisionismo de Georges Seurat y la arbitrariedad de las áreas cromáticas de Vincent van Gogh. La segunda es el llamado fauvismo del color plano, desarrollada entre los años 1906 y 1907, influida por Gauguin y donde ya se apreciaba una madurez cromática y formal.

En el verano de 1905, Matisse y Derain pintaron juntos en Collioure con “una luz dorada que elimina sombras”. Empezaron a usar los colores complementarios puros, en pinceladas vigorosas y uniformes, sueltas y alargadas, obteniendo así campos lumínicos más que representaciones objetivas de la luz. Con su colorido estridente, estos cuadros evocan en el espectador el espíritu del Mediterráneo. Cuando ambos conocieron las pinturas de los mares del Sur de Gauguin, se confirmaron en sus teorías sobre la subjetividad del color y se consolidó el movimiento fauvista.

Puente de Londres
André Derain

Matisse rompió definitivamente con la representación naturalista (óptica) del color: la nariz de una mujer puede representarse con una mancha verde si con ello se añade expresividad a la composición. 

“Yo no pinto mujeres, pinto cuadros”, dijo textualmente este artista.

Cada pintor fauvista experimentó con las premisas del estilo a su modo. Hacia 1908, no obstante, todos habían abandonado su vinculación al grupo, aunque mantuvieron en su obra la constante del colorido como elemento expresivo de la pintura.

• Crespelle, Jean-Paul. Los fauves. Barcelona: Rauter, 1962. Obra de consulta obligada para una visión completa del movimiento.

 

• Daval, Jean-Luc. Del impresionismo al cubismo. En "La Pintura Moderna". Volumen 1. Barcelona: Carroggio, 1982. Obra que presenta un análisis de conjunto, claro y sintético, con abundantes ilustraciones.

 

• Elderfield, John. El fauvismo. Madrid: Alianza Editorial, 1983. Concienzudo estudio sobre el movimiento y su herencia artística. Incluye ilustraciones y bibliografía.

 

• Hamilton, George H. Pintura y escultura en Europa 1880-1940. Madrid: Ediciones Cátedra, 3ª ed., 1987. Importante estudio analítico de los diferentes "ismos" y escuelas del arte en la primera mitad del siglo XX.

 

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¿ Porqué Van Gogh se cortó una oreja ?

Estas son las posibles causas que mencioné anteriormente en mi  articulo sobre Van Gogh:

1. Gauguin y Van Gogh se enfrentaron a la puerta de un prostíbulo a causa de Rachel. Gaughin era muy hábil con su espada e intencionada o accidentalmente  lesionó a Van Gogh.
2. Para evitar el arresto y la posible condena de Gaughin, acordaron entre los dos artistas que Van Gogh se había auto mutilado.
3. Van Gogh quería  evitar que Gauguin se marchase de Arlés.
4. La noticia de que  Theo decidió casarse llevó a Van Gogh a hacer algo para evitarlo ya que el dependía económicamente de su hermano.
5. Una posible venganza contra su amante Virginie, una prostituta de Arles. A ella presuntamente envió la oreja ensangrentada en un paquete, después de enterarse que ella se había enamorado de su amigo Paul Gaughin.
6. Van Gogh se cortó la oreja porque habia amenazado a Gaughin con un cuchillo y como castigo se la automutiló.
   
   

   Pero existen muchas mas causas que también vale la pena considerar:
   

   William Mc Kinley Runyan, en su artículo “Why Did van Gogh cut off his ear? The problem of Alternative Explanations in Psychology”  Journal of Personality and Social Psychology, nos dá las siguientes :
   

   • Van Gogh  se sentía frustrado por su incapacidad de establecer una estrecha relación con Gaughin.
   • Van Gogh se castigaba a si mismo por sentir impulsos homosexuales hacia Gaughin.
   • Van Gogh se identificó con su padre, hacia quien sentía resentimiento y odio. El corte de su oreja era un castigo simbólico de su padre.
   • Van Gogh estaba influenciado por la practica de otorgar la oreja del toro después de una corrida de toros. De esta manera, él se la estaba presentando como un premio a la dama de su elección.
   • Van Gogh también estaba influenciado por las publicaciones en el periódico sobre Jack el Destripador, quién mutilaba prostitutas. En su caso él estaba imitando a el destripador, pero su odio hacia si mismo le llevó a mutilarse en lugar de otros.
   • Van Gogh trataba simbólicamente de castrarse para que su madre no lo perciba como un antipático y tosco niño. Inconscientemente, la prostituta era un substituto de su madre.
   • Van Gogh padecería de alucinaciones auditivas, osea, que escuchaba cosas que no existian. Como consecuencia de su estado mental, se cortó su oreja para poner fin a esos sonidos molestos.
   • En su perturbado estado mental, Van Gogh pudo haber tratado de imitar un escena bíblica la misma que había estado tratando de pintar. Esta escena pertenece al Nuevo Testamento donde Simón Pedro corta la oreja de su sirviente Malchus para proteger a Cristo.
   • Van Gogh estaba actuando la crucifixión de Jesus, con él mismo como víctima.

   No olviden que en la actualidad no tenemos  forma de determinar si alguna de estas causas son  precisas y verdaderas.
   
   
   Fuente:
   http://marisolroman.com/porque-van-gogh-se-mutilo-la-oreja/